Quand François Pinault s’occupe des très rares artistes français admis dans sa collection, il songe d’abord à mettre à contribution les institutions, les fait prendre en charge par FRACS, ministère, et maintenant l’Académie…
A studio visit provides an opportunity for some of the most meaningful encounters, conversations, and exchanges between artists, friends, curators, and collectors. Agnes Gund-or “Aggie,” as she is affectionately known-is one of the most dedicated and steadfast of studio visitors, consistently inspired by the thrill of looking and talking with artists in the presence of their artworks.
Le samedi 19 mai prochain , vi sites commentées et éclairées, parcours ludiques, ateliers, projections, dégustations, spectacles vivant, animations exceptionnelles donneront à vivre à un large public une expérience du musée à la fois conviviale et originale !
» Je me suis basé sur mes sept années d’expérience comme critique d’art à la Gazette de Montréal pour relater comment une exposition d’un groupe d’artistes peut présenter des œuvres qui communiquent entre elles tout en permettant à chaque artiste de briller par lui-même « , dit John.
Hybert est un homme raffiné. Coquet, il décida d’enlever le 1er mai 2004 le T de son nom et devint Hyber, tout fait œuvre. Citons encore son célèbre homme vert de Bessines, version délurée du Manneken–Pis qui fait gicler l’eau par tous les orifices. Hyber (ou Hybert, on s’y perd) est aussi l’inventeur des « Bonbons très bons » (absorbables par tous les orifices) et, pour ceux qui seraient dégoutés, pas de problème, l’artiste est rentré dans le Guiness des records avec le plus gros savon du monde (22 tonnes) : pour ses admirateurs « Hyber a fait du glissage-entre-les -doigts un art » sic…
Le 25 avril, on va savoir si les réseaux tant institutionnels que marchands de l’art dit contemporain, ont réussi leur deuxième intrusion dans cette vénérable institution qu’est l’Académie des Beaux-Arts, sur laquelle il semblent déterminés à établir leur tutelle.
Y a du costaud !!! ça décoiffe et ça éructe autant qu’un carnaval enivré. C’est de la ruade dans les gencives en taille XXL. Le médicament qu’il nous faut en ces temps de dictature. » en dit mon ami lyonnais Michel Théry…
Parmi les trois pathétiques que vous voyez là, celui du milieu est, me semble-t-il le président de l’AICA-France (Association Internationale des Critiques d’Art) et compagnon de l’exquise Orlan. Ils ne manifestent pas contre le plug anal de Paul Mc Carthy, mais pour lui, et contre l’odieux sabotage dont il fut l’objet. C’était en octobre 2014…C’est dire l’état de délabrement de la critique française..qui n’a fait qu’empirer depuis.
L’exposition Mimétisme et psychasténie légendaire se développe autour du livre Home Guard Manual of Camouflage / Manuel de camouflage pour la protection du territoire de Cari Gonzalez-Casanova. Ce livre est inspiré du manuel que Roland Penrose rédige en 1941 pour l’armé britannique.
L’exposition est le fruit d’une rencontre entre Kent Monkman, artiste de Toronto né au Manitoba, autochtone d’origine Cri, voix singulière et puissante de l’art canadien, et le musée des Confluences de Lyon. L’artiste a prélevé, des collections du musée, dix œuvres et artefacts représentatifs d’objets et d’animaux désormais dépossédés des pouvoirs que leur attribuent les cultures autochtones.
De plus le cadeau est accompagné d’une leçon, quintessence du discours moralisateur et philanthrope koonsien : l’art se doit de refléter « l’ego de la masse »… bel emballage pour rendre avalable une très concrète prédation du contribuable, car le « cadeau » de « l’artiste vivant le plus coté du monde » est un « don payant » de 3 millions d’euros ! Cher pour une œuvre dont l’emplacement sert la cote du « donateur » et de produit d’appel pour les produits dérivés qu’elle engendrera.
Revendiquant son niveau « bac moins deux » Bernar Venet (Vernar Benet pour les intimes) est néanmoins entré à l’école des Beaux-Arts de Nice, où il se distingue très vite avec des tableaux au goudron très avant-gardistes. Ensuite il va à New York, car il comprend que c’est « là que ça se passe ». Il s’y distingue là-aussi très vite en exposant son fameux tas de charbon (image jointe), précurseur de tous les « tas contemporains de n’importe quoi» à venir.
Durant plus de vingt ans, Todd Hido a travaillé sur plusieurs ensembles d’images, souvent en même temps. Quand chaque ensemble a acquis la densité d’un projet abouti, Hido l’a publié sous forme de livre et exposé comme une suite de tirages. Ce qui est présenté ici est une séquence extraite de toute la profondeur et de l’étendue de son œuvre singulière : Le voyage hasardeux, l’errance, la quête et le retour.
Vincent Gicquel qualifie certaines de ses peintures d’apophatiques, un terme emprunté à la théologie, qui définit l’existence de la transcendance uniquement par la négative. Là réside l’identité paradoxale de Gicquel, entre idéalisme (de la peinture) et doute radical (vis-à-vis de l’humanité, et de sa représentation), nourrie de Schopenhauer, Cioran et bien sûr de Thomas Bernhard.
Du 4 avril au 3 juin 2018, le Centre d’art Diane-Dufresne invite à la découverte d’Annie Conceicao-Rivet, une artiste multidisciplinaire qui s’intéresse à la trace laissée par le corps humain dans son utilisation d’un objet placé au recyclage. La rencontre des masses : études et prototypes comprend des sculptures, des aquarelles, des collages et des dessins. Une exposition à ne pas manquer!
Il est urgent qu’un groupe de travail parlementaire réfléchisse sur l’intervention de l’Etat dans la création artistique Il est avéré que 95 % des plasticiens en France sont ignorés des dispositifs institutionnels pour le soutien à la création, au profit des seuls artistes de type conceptuel et/ou postural agréés par une sorte d’esthétique d’État.
Le regard se perd dans la cavité d’un front, ses dents semblent luire à côté de son visage ; son cou devient un chaos de formes sous un soleil confus de métamorphoses. Je n’ai rien oublié de ce que fait d’elle le clic de la souris. Ni la vitesse des catastrophes qui l’ont détruite, ni ma main réglant la distance qui la sépare du cadre, ni le point noir à l’horizon de son nez qui grossit jusqu’aux oreilles.
Dans la quinzaine de toiles présentées dans l’exposition L’Esperança dau Suquet (The Hope of the Top) on y voit toutes sortes de choses : un personnage enrubanné, un cône de chantier en guise de coiffe, des tranches de mortadelle, une tête de lapin dépecée, des bottines surdimensionnées, des boîtes à chaussures pour toutes chaussures, des grilles et des grillages, un hibou défiguré et même un chapeau de bombe à chantilly posé sur une table en bois. Difficile a priori d’y déceler un motif, un sujet.
8e AVENUE - Salon d’Art Contemporain et d’Art urbain
